The Inner Light

Biografía

Rautavaara nació en Helsinki y estudió en la Academia Sibelius de esta ciudad con Aarre Merikanto desde 1948 hasta 1952, antes de que Jean Sibelius lo recomendara para conseguir una beca para estudiar en la Juilliard School de Nueva York. Allí recibió lecciones de Vincent Persichetti, así como de Roger Sessions y Aaron Copland en Tanglewood. Destacó por primera vez en el plano internacional cuando ganó el Thor Johnson Contest por su composición Un Réquiem en nuestro tiempo en 1954.
Rautavaara fue profesor no numerario en la Academia Sibelius desde 1957 hasta 1959, archivero de música de la Orquesta Filarmónica de Helsinki desde 1959 hasta 1961, rector del Instituto de Música Käpylä en Helsinki desde 1965 hasta 1966, profesor numerario en la Academia Sibelius desde 1966 hasta 1976, profesor artístico (nombrado por el Consejo de las Artes de Finlandia) desde 1971 hasta 1976, y profesor de composición en la Academia Sibelius desde 1976 hasta 1990.
Rautavaara tuvo un problema serio de salud al comienzo de 2004 pero se ha recuperado.

Música

Rautavaara es un compositor prolífico y ha escrito en una gran variedad de formas y estilos. Gran parte de su obra es bastante accesible y se ha probado que es ciertamente popular. Experimentó con técnicas seriales al comienzo de su carrera, pero las dejó atrás en la década de 1960 e incluso sus trabajos seriales no son claramente seriales. Su tercera sinfonía, por ejemplo, usa esas técnicas, pero suena más como a Anton Bruckner que como a compositores seriales tradicionales como Pierre Boulez. Sus últimos trabajos a menudo tienen algún elemento místico (por ejemplo, varias obras con títulos haciendo referencia a ángeles). Un sonido característico de Rautavaara podría ser un tema rapsódico de belleza austera interpretado por las cuerdas, con sonidos reiterados de una flauta, suaves campanas disonantes y quizás la sugestión de un corno pastoral.
Sus composiciones incluyen ocho sinfonías, varios conciertos, trabajos corales (varios sin acompañamiento instrumental, incluyendo Vigilia (1971–1972)), sonatas para varios instumentos, cuartetos de cuerda y otra música de cámara, además de varias óperas biográficas incluyendo Vincent (1986–1987, basada en la vida de Vincent Van Gogh), Aleksis Kivi (1995–1996) y Rasputin (2001–2003). Algunos trabajos tienen partes para cinta magnética, incluyendo Cantus Arcticus (1972, también conocido como Concierto para pájaros y orquesta) para cantos de pájaros grabados en cinta y orquesta, y Unicornio verdadero y falso (1971, segunda versión de 1974, revisada en 2001–02), cuya versión final es para tres recitadores, coro, orquesta y cinta.
Sus últimos trabajos son orquestales, incluyendo Libro de visiones (2003–2005), Trilogía Manhattan (2003–2005) y Antes de los Iconos (2005) que es una versión ampliada de su anterior composición pianística Iconos. En 2005 acabó un trabajo para violín y piano llamado Paisajes perdidos, encargado por el violinista Midori Goto.
Se han grabado muchas de las obras de Rautavaara, siendo un éxito popular y de crítica una interpretación de su séptima sinfonía, Ángel de la Luz (1995), por la Orquesta filarmónica de Helsinki dirigida por Leif Segerstam con el sello Ondine - esta interpretación fue nominada para varios premios, incluyendo un Grammy.
Casi todas la obras de Rautavaara han sido grabadas por Ondine. Algunos de sus trabajos principales también se han grabado por Naxos.

Luciano Berio (Imperia, 24 de octubre de 1925 - Roma, 27 de mayo de 2003) fue un compositor italiano clásico y uno de los principales representantes de la vanguardia musical europea. Es reconocido por su trabajo en la música experimental, particularmente su Sinfonía para orquesta, y también fue un pionero en la música electrónica.

Biografía

Berio nació en Oneglia, Italia (hoy día llamado Borgo d'Oneglia, un pequeño pueblo a 3 km al norte de Imperia). Recibió sus primeras clases de piano de su padre y su abuelo que eran organistas. Durante la Segunda Guerra Mundial fue reclutado por el ejército, pero en su primer día de servicio fue herido en una mano mientras aprendía a usar la pistola. Después de un tiempo en un hospital militar, escapó y se integró a la lucha en grupos anti-nazis.
Después de la guerra, Berio estudió en el Conservatorio de Milán con Giulio Cesare Paribeni y Giorgio Federico Ghedini. Abandonó los estudios de piano debido a la herida en su mano y se concentró en la composición. En 1947 se estrenó en público uno de sus primeros trabajos, una suite para piano.
Berio se ganó la vida durante ese tiempo acompañando clases de canto. Así conoció a su primera mujer, la mezzo-soprano estadounidense Cathy Berberian con quien contraería matrimonio en 1950, poco después de graduarse (se divorciaron en 1964). Berio escribió numerosas piezas en las que explotaba la única y versátil voz de su esposa.
En 1951 viajó a los Estados Unidos para estudiar con Luigi Dallapiccola en Tanglewood, quien le despertó interés por el serialismo. Posteriormente acudió a los «Internationale Ferienkurse für Neue Musik» («Cursos Internacionales de Verano de Música Contemporánea») de Darmstadt, donde conoció a Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, György Ligeti y Mauricio Kagel. Comenzó a interesarse en la música electrónica, fundando con Bruno Maderna, en 1955, el Studio di Fonologia, un estudio de música electrónica en Milán. Invitó a varios compositores significativos a trabajar allí, como Henri Pousseur y John Cage. También creó una publicación sobre música electrónica, Incontri Musicali.
En 1960, Berio volvió a Tanglewood, esta vez como compositor residente, y en 1962, invitado por Darius Milhaud, ingresó como profesor en el Mills College en Oakland, California. En 1965 comenzó a impartir clases en el Juilliard School y allí fundó el Juilliard Ensemble, un grupo dedicado a interpretar música contemporánea. En ese mismo año, Berio se casó por segunda vez, esta vez con la notoria filósofo Susan Oyama (se divorció en 1971). Entre sus estudiantes se encontraban Louis Andriessen, Steve Reich, Luca Francesconi y, para nuestra sorpresa, Phil Lesh de la banda Grateful Dead.
Durante todo este tiempo, Berio estuvo constantemente componiendo y forjándose su reputación, ganando el Premio Italia en 1966 por Laborintus II. Su labor como compositor quedó consolidada cuando su Sinfonía fue estrenada en 1968.
En 1972, Berio regresó a Italia. Desde 1974 hasta 1980 fue director de la sección de electroacústica del IRCAM en París, y en 1977 contrajo matrimonio por tercera vez, ahora con la musicólogo Talia Pecker. En 1987 creó Tempo Reale en Florencia, un centro con intenciones similares al IRCAM
En el año 1989, le fue concedido el Premio Ernst Siemens, en 1991 el Premio de la Fundación Wolf de las Artes y en 1994 se convirtió en Distinguido Compositor Residente en la Universidad Harvard, manteniendo este cargo hasta el 2000. En el año 1996 le fue concedido el Praemium Imperiale y, en el año 2000, fue nombrado Presidente y Superintendente de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Roma. Continuó componiendo hasta el final de su vida. Luciano Berio falleció en el 2003 en un hospital de Roma.

La música de Berio

Obras originales

Las obras electrónicas de Berio datan en su mayor parte de su estancia en el Studio di Fonologia de Milán. Uno de los más influyentes trabajos que produjo allí fue Thema (Omaggio a Joyce) (1958), basado en una lectura de su primera esposa Cathy Berberian de la novela de James Joyce Ulises. En un trabajo posterior, Visage (1961) Berio creó un lenguaje emotivo sobre la base de cortes y modificaciones de una grabación de la voz de Cathy Berberian.
En 1968, Berio completa O King, un trabajo del que existen dos versiones: una para voz, flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano, y otra para ocho voces y orquesta. Esta pieza esta creada en memoria de Martin Luther King, que fue asesinado poco antes de componerla. En ella, las voces entonan primero las vocales y después las consonantes, para después todas juntas enlazar su nombre en los últimos compases.
La versión orquestal de O King fue integrada, poco después de terminada, en la que quizá sea la composición más famosa de Berio, la Sinfonía (1968-69), para orquesta y ocho voces amplificadas (un doble cuarteto vocal con micrófonos). En esta obra las voces no son utilizadas en la forma tradicional; no sólo hacen el típico canto entonado, sino que las voces recitan, susurran y gritan palabras de Claude Lévi-Strauss (cuya obra Le cru et le cuit proporciona gran parte del texto), Samuel Beckett (de su novela El innombrable), instrucciones de partituras de Gustav Mahler y otros textos. La obra es uno de los paradigmas de la técnica de collage y una de las más populares de Berio.
A-Ronne (1974) es un collage similar pero más directamente enfocado en la voz. Originalmente fue escrito como un programa de radio para cinco actores y en 1975 fue reelaborado para ocho vocalistas y una parte para teclado opcional. Esta obra es una de las numerosas colaboraciones con el poeta Edoardo Sanguineti, quien dio a esta pieza un texto lleno de citas cuyas fuentes incluyen a la Biblia, T. S. Eliot o Karl Mai

Coro

Otro ejemplo de la influencia de Sanguineti es la amplia obra Coro, para orquesta, voces solistas y un gran coro, cuyos integrantes son emparejados con instrumentos de la orquesta. La obra durante un poco más de una hora, y explora un número de temas vinculados a la música folclórica de una variedad de regiones: Chile, Norteamérica, África. Temas recurrentes son la expresión del amor y la pasión; el dolor de ser separados de los que amamos; la muerte de una esposa o esposo. Una línea repetida es "venid y ved la sangre en las calles", una referencia al poema de Pablo Neruda, escrito en el contexto de los salvajes eventos sucedidos en Iberoamérica bajo los diferentes regímenes militares.
Entre otras composiciones de Berio se encuentran Circles (1960) y Recital I (for Cathy) (1972), todas escritas para Berberian, y varias obras teatrales, como la ópera Un re in ascolto, con la singular colaboración de su compatriota Italo Calvino.

Sequenzas

Berio también produjo obras en las que no se cita otros trabajos. Quizá la más conocida sea la serie de trabajos para instrumentos solistas bajo el nombre de Sequenza; la primera, Sequenza I fue realizada en 1958 para flauta. La última, Sequenza XIV (2002) fue compuesta para violonchelo solo. Berio afirma que estas obras están escritas para "el único tipo de virtuoso que es aceptable hoy en día, sensible e inteligente" y agrega que debe poseer "los más altos niveles de virtuosismo técnico e intelectual". Los trabajos exploran de lleno las posibilidades de cada instrumento. Las distintas Sequenza son:
Sequenza I para flauta (1958)
Sequenza II para arpa (1963)
Sequenza III para voz femenina (1965) escrita para Cathy Berberian
Sequenza IV para piano (1966)
Sequenza V para trombón (1965)
Sequenza VI para viola (1967)
Sequenza VII para oboe (1969) escrita para Heinz Holliger. Fue retrabajada como Sequenza VIIb para saxofón soprano
Sequenza VIII para violín (1976)
Sequenza IX para clarinete (1980), [1] retrabajada en 1981 como Sequenza IXb para saxofón alto, y en 1980 como Sequenza IXc para Clarinete bajo.
Sequenza X para trompeta en Do y resonancia de piano (1984)
Sequenza XI para guitarra (1987-88)
Sequenza XII para fagot (1995)
Sequenza XIII para acordeón "Chanson" (1995)
y Sequenza XIV para violoncello (2002)

Obras escénicas

Opera (1970, revisada 1977)
La vera storia (1981)
Un re in ascolto (1984)
Vor, während, nach Zaide (1995; Preludio, interludio y final para un fragmento de ópera de Mozart)
Outis (1996)
Cronaca del luogo(1999)
Turandot (2001; final para la ópera de Puccini)

Adaptaciones y transcripciones

Berio ha adaptado sus propias composiciones: la serie Sequenze (Secuencias) dio lugar a una serie de trabajos llamada Chemins (Caminos), cada uno de ellos basado en uno de Sequenza. Por ejemplo, Chemins II (1967) toma la Sequenza VI del mismo año para viola y la adapta para solo de viola y otros nueve instrumentos. Chemins II es así mismo transformada en Chemins III (1968) añadiendo una orquesta, y también existe Chemins IIb, una versión de Chemins II sin solo de viola pero con un conjunto más amplio, y Chemins IIc, que añade un solo de clarinete bajo a Chemins IIb. Las Sequenze también han dado luz a otras nuevas obras con otros títulos: Corale (1981), por ejemplo, está basado en la Sequenza VIII.
Además de sus propias obras y adaptaciones, Berio es conocido por realizar numerosos arreglos de obras de otros compositores, tales como Claudio Monteverdi, Henry Purcell, Johannes Brahms, Gustav Mahler y Kurt Weill. Para su primera mujer escribió Folk Songs (1964) una colección de arreglos de canciones populares y folclóricas. También escribió un final para la ópera de Giacomo Puccini Turandot (estrenada en Los Ángeles el 27 de mayo de 2002 y ese mismo año en Ámsterdam y Salzburgo); y en Rendering (1989) tomó los pocos bosquejos que Franz Schubert hizo para su Sinfonía No. 10, y los terminó añadiendo música derivada de otras obras de Schubert.
De hecho, la (música) es una parte vital de las obras "creativas" de Berio. En "Two Interviews", Berio expresa que lo que un curso de Escuela en transcripción debería buscar, no es solamente mirando a Franz Liszt, Ígor Stravinski, Johann Sebastian Bach, él mismo y otros, sino extender a la composición lo que es la transcripción de uno mismo. En este punto, Berio rechaza y abandona la noción de "collage", prefiriendo tomar la posición de "transcriptor", arguyendo que "collage" implica un cierto abandono arbitrario al cuidadoso control de su ejecución altamente intelectual, que se da especialmente en su Sinfonía, prefiriendo más sus otras obras "desconstructivas". Entonces, cada cita evoca cuidadosamente el contexto de la obra original, creando una red abierta, pero abierta a referentes altamente específicos y una vigorosamente definida, si re-generativa, relación significante-significado. "No estoy interesado en collages, y sólo echó mano de ellos sólo cuando lo hago con mis hijos: entonces son un ejercicio de relativizar y "descontextualizar" imágenes, un ejercicio elemental cuyo saludable cinismo no debería hacer daño a nadie" dice Berio a la entrevistadora Rossana Dalmonte, en la que se lee como intenta distanciarse de la imagen caótica que muchos descuidados analistas de seguro.

El significado de Berio

Probablemente la contribución más destacada al mundo de la música experimental no serial de la postguerra, que se refleja en muchas sus composiciones, es su asociación con un amplio mundo de la teoría crítica (epitomizada por su larga amistad con el lingüista y crítico teórico Umberto Eco) en su música. Las obras de Berio son entonces actos analíticos: mitos deliberadamente analizados, historias, los componentes de las palabras mismas, u obras musicales preexistentes. En otras palabras, no es sólo en la composición del "collage" en la que convergen los significados, es la particular composición del componente "sonido-imagen" que converge en un significado, incluso significado extra-musical. La técnica del "collage" que está asociado a él, entonces, antes que un proceso neutral es un proceso consciente, joyceano de análisis-por-composición, una forma de transcripción analítica de las que la Sinfonía y los Chemins son los ejemplos más pruritos. Entonces, Berio ofrece sus composiciones como formas de discurso académico o cultural más que un "mero" forraje para ellos.

Marc-André Dalbavie

Marc-André Dalbavie (born February 10, 1961 at Neuilly-sur-Seine) is a French composer.[1] He had his first music lessons at age 6[2] and later studied at the Conservatoire de Paris. In 1985 he joined the research department of IRCAM where he studied digital synthesis, computer assisted composition and spectral analysis. In the early 1990s he moved to Berlin. Currently he lives in the town of St. Cyprien and teaches orchestration at Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris.

In 1994 he was awarded the Rome Prize. The same year he was one of three composers who won the Ernst von Siemens Music Prize. In 1998, the Cleveland Orchestra appointed him the composer-in-residence (a Daniel Lewis Fellow) for two years. In 2004, he was made a Chevalier des Arts et Lettres by the French Ministry of Culture.


Michael Jarrell

Michael Jarrell estudió composición en la clase de Eric Gaudibert en el Conservatorio de Ginebra, además de varias estancias en los Estados Unidos (Tanglewood, 1979). Completó su formación en la «Staatliche Hochschule für Musik» de Freiburg im Brisgau, con Klaus Huber. Desde 1982, su obra ha recibido numerosos premios: «Prix Acanthes» (1983), «Beethovenpreis» de la Ville de Bonn (1986), «Prix Marescotti» (1986), «Gaudeamus» y «Henriette Renié» (1988), Siemens-Förderungspreis (1990).
Entre 1986 y 1988, residió en la «Cité des Arts» de Paris y participó en el stage de informática musical del IRCAM . Fue luego pensionario de la Villa Médicis de Roma en 1988/89, después miembro del «Istituto Svizzero» de Roma en 1989/90. De octubre de 1991 a junio de 1993, fue compositor residente de la Orchestre de Lyon. Desde 1993, es profesor de composición en la «Hochschule für Musik» de Viena. En 1996, fue acogido como «compositeur en résidence» en el Festival de Lucerna, más tarde fue celebrado en el festival «Musica Nova Helsinki», que le fue dedicado en marzo de 2000. En 2001, el Festival de Salzburgo le encargó un concierto para piano y orquesta, intitulado Abschied. Ese mismo año fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres. En 2004, fue nombrado profesor de composición en el Conservatorio de Ginebra.
Su ópera Galiléi, según «La Vie de Galilée» de Brecht, encargo del «Grand Théâtre de Genève», fue estrenada en enero de 2006. En marzo de 2007, su nueva creación Un temps pour un silence fue presentada en Ginebra, con Emmanuel Pahud a la flauta y Heinz Holliger dirigiendo la OSR.


Matthias Pintscher


Matthias Pintscher (Marl, 29 de enero de 1971, Marl) es un compositor y director de orquesta alemán. De joven, estudió violín y también dirigió.1
Pintscher comenzó sus estudios musicales con Giselher Klebe en 1988 en la Hochschule für Musik Detmold; en 1990 conoció a Hans Werner Henze y en 1991 y 1992 fue invitado por Henze a la escuela de verano de Montepulciano, Italia. Posteriormente, estudió con Manfred Trojahn en la Hochschule de Düsseldorf.
Varias de sus obras orquestales y vocales se han interpretado en lugares como el Carnegie Hall y el Royal Albert Hall. Algunas de sus composiciones más notables son Choc (1996) y Janusgesicht (2001).
Matthias Pintscher vive ahora en Fráncfort del Meno y París. Des el año 2007 es profesor de composición de la «Hochschule für Musik und Theater» de Munich.

Formato: FLAC (sin pérdida)

Peso de todos los archivos en total: 182 MB (incluye el booklet del cd)




Andrea Kollé


Andrea Kolle ejecuta las flautas modernas, transversal y clásica. En consecuencia, su repertorio es muy amplio: ya sea como flauta solista en sinfonías, óperas y orquestas de cámara, y también en varias las formaciones musicales. 
Nació en Amsterdam, estudió en Holanda con Abbie de Quant y en Basilea con Aurèle Nicolet. 
Desde 1990 ha sido miembro de la Orquesta de Zurich Opera y forma parte de la orquesta barroca "La Scintilla". Sus conciertos la han llevado a muchos países de Europa, y de los EE.UU. y Canadá, así como a importantes festivales, como "The Davos Young Artist in Concert", el Festival de Lucerna y el Rüttihubeliade.
La música contemporánea es particularmente importante para ella. Ha impartido numerosos estrenos mundiales, sobre todo el estreno de la pieza para flauta sola del holandés Heinz Holliger en 1985. El compositor rumano Dan Dediu dedicó su "Naufragi" para flauta sola para ella, en 2001.
Andrea Kollé ha realizado varias grabaciones, que incluye un CD en solitario con composiciones de Bach, Yun, Firsowa, Wildberger y Karg Elert. También ha realizado grabaciones como parte del quinteto Zürcher Blaser y Jecklin MusiqueSuisse.

Robert Dick
Como compositor e intérprete, Robert Dick es un sobresaliente propulsor de música contemporánea, y es mundialmente conocido por su manejo de técnicas extendidas para flauta. Sus composiciones, especialmente para flauta sola y flauta baja sola, transmiten el lenguaje musical que él ha creado a través de sus invenciones y del desarrollo de nuevos sonidos y técnicas. Dick es el autor de "La otra flauta: un manual de interpretación de técnicas contemporáneas, "El desarrollo del sonido a través de técnicas extendidas", "Flying Lessons: Six Contemporary Concert Etudes" y "Respiración circular para el flautista".
Dick ha actuado como solista en los EEUU, Escandinavia y Europa, y ha dado clases magistrales en Universidades y Conservatorios de ambos continentes. Como maestro ha sido ampliamente afamado por la efectividad y originalidad de sus métodos, su habilidad para relacionar técnicas extendidas a la ejecución tradicional y por su inspiración.

El desarrollo del sonido a través de las técnicas extendidas


En la actualidad, muchos compositores e instrumentistas de todo el mundo se interesan más en el descubrimiento y desarrollo de nuevas sonoridades instrumentales, y todo indica que tiende a seguir creciendo desde la composición y la ejecución. Esto es especialmente importante para la flauta traversa. Si bien hay muchas composiciones tradicionales escritas hoy en día, es un instrumento muy influido por las nuevas sonoridades y técnicas, colores y articulaciones. Estas influencias son también notorias en el creciente campo que abarca la flauta dentro de la improvisación musical: el avant-garde clásico, tradicional y el nuevo jazz, y estilos populares.
Otra buena razón -pero poco conocida- para trabajar en las nuevas sonoridades es que beneficia notablemente el toque tradicional. Este trabajo desarrolla la fuerza, flexibilidad y sensibilidad de la embocadura y el soporte de aire, incrementando el rango de color, la dinámica y la proyección. El oído también se fortalece: hay que escuchar el tono deseado claramente antes de tocarlo cuando las digitaciones comunes no son utilizadas, cuartos de tono y microtonos entrenan el sentido de la afinación. (...)

Estamos en un tiempo de crecimiento y cambio para la flauta, un tiempo donde las limitaciones técnicas y conceptuales, están dejándose atrás. La flauta está tomando un rol que nunca se imaginó, por ejemplo, como instrumento polifónico, o el cambio rápido de voz siendo capaz de percutir en un momento, siendo efímera después, luego mostrando un sorpresivo poder. Todos los aspectos del estudio de la flauta son tocados, y una meta importante para el ejecutante es integrar la capacidad inmensa del instrumento dentro de un todo coherente donde todos los aspectos se fortalecen y complementan. El nuevo estudio de la flauta es una continuación de la vida y tradiciones de la flauta y los flautistas. Hay mucho más para decir que antes, y el concepto que nunca va a pasar de moda es que la flauta es un instrumento de expresión y belleza.